Retour sur la comédie musicale Notre-Dame de Paris (15/04/2017)

Après quelques mois à Paris et des représentations à l’étranger, la nouvelle mouture de la comédie musicale Notre-Dame de Paris (Richard Cocciante et Luc Plamondon) est partie pour une tournée des villes de France, jusqu’à la Suisse et à la Belgique. C’était une occasion de constater l’évolution du spectacle, que j’avais pu voir lors de sa première semaine de représentation à Paris, surtout du côté des interprètes qui connaissent tous bien mieux leur rôle.

Côté scène

Même si le placement personnel dans la salle était moins avantageux qu’à Paris, et la salle moins équipée au niveau de l’acoustique que celle du Palais des Congrès, cela n’ôte rien au spectacle, ni au ressenti face à la comédie musicale. Au contraire, le recul (tant physique, que figuré, par ailleurs), permet de davantage se rendre compte de la symbolique de la mise en scène minimaliste, ou bien du dynamisme et de l’énergie de la troupe des acrobates et des danseurs.

Ainsi, on admire un peu plus les transparences d’images autorisées par le faux rideau, qui permettent tour à tour de dissimuler l’arrière-plan de la scène, de représenter les vitraux ou les colonnes de la cathédrale, le mot Anankè (correction enfin faite de l’erreur du spectacle de 1998). Cela est encore fort utile lors de certaines chansons : cette semi-opacité dévoile par intermittence des danseurs lors de Déchiré, par exemple, pour illustrer les tourments intérieurs de Phoebus. Elle permet d’afficher une lune brillante, lors de la chanson du même nom, ou encore de représenter le personnage de Frollo par des ombres menaçantes.

Les décors restent avant tout symboliques, plus abstraits que réellement présents, mais ils dessinent l’aura de la cathédrale qui sert de lieu d’action au spectacle. C’est ce qui permet à Notre-Dame de Paris de gagner son intemporalité, tout comme des costumes qui restent neutres au niveau de leur époque, la plupart du temps, bien qu’ils soient adaptés à chaque personnage (et plus beaux que dans la version originale). Le décor sert aussi particulièrement pour illustrer les positions des personnages ou leurs conflits intérieurs. Les colonnes permettent parfois de surélever certains protagonistes, comme une figure d’espérance (durant le Vivre optimiste et idéaliste d’Esmeralda), de sembler les écraser (le combat contre lui-même, dans Tu vas me détruire de Frollo), ou bien de montrer une progression, puis une déchéance. Clopin et Gringoire passent ainsi de la rue, ou du pied de Notre-Dame, à l’intérieur de ses murs, en position de combattants, avant de retourner au sol.

Ces détails, ces mises en scène, permettent tout à la fois l’immersion dans le spectacle, que de prendre conscience de son engagement, qui résonne encore de façon bien juste aujourd’hui, vingt ans après. Ils sont évidemment plus qu’utiles aux personnages, permettent de faire ressortir avec simplicité leur état d’âme.

Côté personnages et chanteurs

Il serait parfois injuste d’afficher une préférence pour cette nouvelle troupe, car l’ancienne possédait des voix singulières et très puissantes. Pourtant, je préfère sans hésiter ces nouveaux chanteurs (dont un ancien, Daniel Lavoie) qui se laissent davantage aller à leur personnage et permettent au public, par la même occasion, de s’immerger encore plus dans le spectacle. Ce soir-là, il y a également eu la chance d’apercevoir la doublure de Clopin (Jean-Michel Vaubien au lieu de Jay) et celle de Fleur-de-Lys (Idesse au lieu de Alyzée Lalande, mais Idesse la remplace officiellement pour le reste de la tournée).

Tous, évidemment, s’en sont sortis avec brio. Par rapport à mes souvenirs du spectacle au mois de novembre 2016, Hiba Tawaji a paru, ce soir-là, vouloir faire une Esmeralda plus sensuelle, sans être provocante et sans se départir de l’insouciance du personnage, avec succès. Ce parti pris a été d’autant plus pertinent que lors de l’acte II, durant Le procès, La torture et Un Matin tu dansais, elle a fait preuve de bien plus de sauvagerie et de férocité que dans l’acte I, comme on pourrait l’imaginer avec l’Esmeralda farouche de Hugo. Par contraste, Idesse jouait – et chantait – une belle Fleur-de-Lys, à la fois douce et dure.

Jean-Michel Vaubien, bien qu’il fasse plus jeune que Jay, s’en est très bien tiré dans le rôle de Clopin au niveau de la performance vocale. Martin Giroux, comme en novembre, a dévoilé un Phoebus plus nuancé que celui du livre, ou de Patrick Fiori, plus romantique et moins don juan qu’on ne pouvait l’attendre. Richard Charest a été fidèle à lui-même avec une voix magnifique, et un jeu à la fois camarade et insouciant, aussi bien avec le public qu’avec les autres interprètes sur scène.

Enfin, Angelo del Vecchio est véritablement impressionnant en Quasimodo, tant par sa diction (le chanteur est italien et il a interprété le rôle dans sa langue natale, puis en anglais et enfin en français) que par son jeu et l’émotion qu’il y glisse. Il rend son personnage touchant, alors que je ne l’ai jamais véritablement apprécié. Daniel Lavoie, malgré un oubli durant la troisième strophe de Tu vas me détruire, est toujours aussi impressionnant, touchant, éperdu, passant d’un extrême de réserve à un autre de perdition, et avec une voix toujours aussi poignante et magnétique. Il s’est aussi montré, dans cette performance, plus sympathique et plus amical avec Quasimodo.

Il serait injuste d’oublier la troupe des acrobates et des danseurs, plus vifs que jamais, et qui ont été ce soir-là plus investis encore qu’en novembre 2016, exprimant leur agressivité et leur joie par des cris ou des sifflements. Cela permettait au public de davantage les considérer comme des personnages à part entière et de renforcer l’immersion, alors qu’avec le DVD de 1998, beaucoup de cette impression d’énergie se perdait, tout comme le rôle qu’ils jouaient dans le minimalisme symbolique de la pièce.

Côté public

En parlant de public, celui-ci était dans l’ensemble, réceptif et réactif. Il y a d’ailleurs eu un instant de surprise quand la salle s’est mis à applaudir Daniel Lavoie lors de son entrée dans La sorcière, avant même qu’il ne commence à chanter.

Si l’enthousiasme était bien là, on ne peut que déplorer en revanche le manque de respect qui semble se proliférer dans les salles de spectacle, certains n’hésitant pas à manger, ou à utiliser leurs portables durant le spectacle, ou bien encore trop comparer l’enregistrement du DVD à ce qui est vu sur scène, de manière trop puriste pour réellement apprécier le spectacle. Autant pour les artistes que les autres spectateurs, ce n’est guère agréable.

A ce sujet, il est effectivement vrai que des changements de mise en scène ont eu lieu lors de cette tournée. Certains datent de la nouvelle mouture du spectacle : nouveaux costumes plus soignés et élégants, des lits durant Le Val d’Amour, des petits détails permettant de peaufiner la relation entre personnages (Gringoire s’inclinant face à Frollo, dans une relation de maître-élève, par exemple). Mais certaines modifications datent bel et bien de la première « tournée » de Notre-Dame, et du passage du spectacle dans la salle de Mogador en 2001 : Je sens ma vie qui bascule de Frollo devient Si tu pouvais voir en moi de Quasimodo (changement qu’en fan de Frollo, je ne peux approuver). Il y a surtout un changement d’ordre pour quatre chansons de l’acte II, afin de permettre plus de logique et une meilleure entrée en scène des personnages, plus pertinente : on obtient désormais Être prêtre et aimer une femme / Phoebus / Je reviens vers toi / La monture (au lieu de Phoebus / Être prêtre / La monture / Je reviens vers toi). Cette succession avait d’ailleurs été reprise dès la première tournée italienne en 2002, la rendant donc officielle, et non un simple caprice.

Highlights

Notre-Dame de Paris est une comédie musicale magnifique dans l’ensemble ; sur scène, on redécouvre toute la portée symbolique de l’œuvre, son engagement, au-delà des chansons phares les plus connues. On apprécie même davantage certaines chansons qu’on zappe facilement en écoutant le CD.

Pour cette représentation en particulier, les moments forts ont été bel et bien présents. Déchiré, grâce à l’interprétation nuancée de Martin Giroux, devient bien plus touchant et sympathique. Belle, bien entendu, est mythique : ces Trois coeurs d’hommes faits différemment permettent de saisir la vision qu’ont Quasimodo, Frollo et Phoebus d’Esmeralda, qui n’a après tout jamais demandé à être courtisée par ces trois hommes. Quasimodo la voit ainsi inaccessible, céleste, termes soulignés par le fait de voir Esmeralda pensive et hors d’atteinte de sa part, à cet instant. Pour Frollo, qui la voit se laver au-dessus d’un autel (ou d’une source d’eau bénite) de Notre-Dame, on comprend le dilemme entre le fait de la trouver divine et pure, idéale, et également sensuelle. Phoebus, lui, la voit de manière tout à fait sensuelle, au gré des mouvements d’une danse. Le refrain final, où Esmeralda s’allonge en croix, au centre de ces trois hommes chantant autour d’elle, devient ainsi « la croix du genre humain » et une figure de sacrifice face à l’égoïsme de ses trois prétendants.

C’est surtout à l’acte II que le plus d’émotions se sont faites ressentir. A chaque fois, je trouve Florence de plus en plus sublime : jamais on n’aura aussi bien mis en musique et en paroles, une chanson philosophique qui parle d’un changement d’époque significatif, de l’invention de l’imprimerie et de ses bouleversements, un sujet bien terre à terre ! Mais Florence résume parfaitement tout un chapitre de réflexion purement hugolienne. La chanson suivante, Où est-elle, est aussi à chaque fois plus appréciable et plus romantique, rêveuse.

Les tourments de Frollo sont eux aussi toujours parfaitement illustrés, d’autant que Daniel Lavoie interprète avec une justesse et une sensibilité pertinentes, les états d’âme de l’archidiacre. Il se débarrasse de sa lourde cape pour chanter Être prêtre et aimer une femme, durant laquelle il se montre éperdu, désespéré, vibrant, tombant à genoux après avoir déchiré son col romain. Le chanteur est celui qui aura le mieux interprété Frollo et ses différentes facettes, montré à quel point le prêtre de Hugo n’est pas qu’un antagoniste, mais un être trop humain, complexe et déchiré par ses contradictions, avec une profondeur reflétée par la puissance de sa voix. Il en devient encore plus dramatique et pathétique durant Un matin tu dansais, où Hiba Tawaji lui offre une résistance farouche. Le rire machiavélique de Frollo à la fin aura été aussi mémorable…

Enfin, certaines chansons, que je n’apprécie pourtant pas trop d’habitude, fournissent des frissons et font se hérisser. C’est le cas des poignants Que le monde est injuste, Vivre, Les cloches, toutes trois vibrantes d’espoir, de tristesse ou d’émotion. La chanson finale, Danse mon Esmeralda, aura elle aussi été marquante : son dernier mot, « Mourir » a été chanté, voir crié, avec tellement de désespoir et de puissance de la part d’Angelo del Vecchio, qu’il a laissé la salle silencieuse pendant une seconde impressionnante, tant le frisson provoqué par son timbre était grand.

En somme, et bien qu’elle ait désormais presque vingt ans, Notre-Dame de Paris demeure sublime et indémodable, toujours aussi puissante dans ses thèmes et ses chansons magnifiques. S’il y en a la chance, la comédie musicale est véritablement à voir sur scène. Pour un avis croisé sur la représentation du spectacle, je vous invite également à jeter un regard à l’article de Winds in the East.

Sources des images par ordre d’apparition : sud-ouest.fr, purepeople.com, femina.ch et nordéclair.fr

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